Frida Khalo (Citta’ del Messico 06.07.1907 – Citta’ del Messico 13.07.1954)

“E alla fine, credo che non sia necessario fare nulla per essere amati. Passiamo la vita cercando di sembrare piu’ belli, piu’ intelligenti. Ma ho capito due cose. Coloro che ci amano ci vedono con il loro cuore e ci attribuiscono qualita’ al di la’ di quelle che abbiamo davvero. E coloro che non vogliono amarci non saranno mai soddisfatti di tutti i nostri sforzi. Si, davvero. Credo che sia importante lasciare in pace le nostre imperfezioni. Sono preziose per comprendere coloro che ci vedono con il cuore.”

Le foto di questo sito sono scatti del titolare e la post produzione e’ stata eseguita con software che riproduce le sole tradizionali elaborazioni eseguibili in camera oscura.

Le auto cabrio e il cinema

Quante volte l’auto e’ stata e sara’ coprotagonista, se non protagonista, nel cinema?  A maggior ragione lo è l’auto open air, da sempre sinonimo di liberta’, di contatto con la natura, di velocita’ sportiva, di disponibilita’ economica, ecc. ecc., e finisce coll’identificarsi, facendo un tutto unico, agli attori protagonisti, che si caratterizzano con questi stili. E così spesso troviamo queste splendide vetture ad accompagnare gli attori principali durante la loro storia e/o ad essere protagoniste loro stesse in alcune fasi cruciali del film. Da questo nasce la voglia di raccontare alcune di queste simbiosi. Ad esempio …

“La dolce vita” di Federico Fellini – uno dei più grandi registi italiani, se non il più grande -, film uscito nel 1960, dopo qualche vicissitudine. Infatti, il produttore, Dino De Laurentiis, abbandonò il progetto, spaventato dagli alti costi e dalle tematiche del film, e gli subentrò Peppino Amato, che coinvolse, come finanziatore, Angelo Rizzoli.

Miracolosamente, come si legge nella Treccani, “La dolce vita appartiene a quel ristretto novero di film ad alto costo in cui l’autore riesce a piegare alla propria visione la macchina industriale”. Va detto che il film ebbe un tale successo, anche a causa della grandissima attenzione mediatica avuta prima e dopo la sua uscita, da compensare abbondantemente i costi e da diventare un fenomeno di costume.

 Nel caso specifico, per tutta la durata del film, la nostra auto – una bellissima Triumph Tr3 – segue il protagonista, Marcello, accompagnandolo nel suo lavoro e nelle sue avventure, funzionale e veloce, sicuramente anche simbolo di uno status sociale, dato che gli anni, in cui si svolgono le varie vicende, sono quelli del boom economico, dell’avanzata della borghesia, del superamento dell’Italia contadina verso una società in via di industrializzazione e urbanizzazione.

 Il film non ha una vera e propria trama, ma è piuttosto un insieme di episodi, che Fellini stesso definisce “un rotocalco in pellicola”. Il risultato è un affresco impietoso e lucidissimo della società di quegli anni e, purtroppo, anche di quella futura, in cui si svilupperà, evolvendosi anche in altre forme, ciò che allora si presentava in embrione.

“La dolce vita” è un film importantissimo per il cinema italiano, ma anche per lo stesso cinema felliniano. Infatti, Fellini inizia ora a spostarsi progressivamente dalle locations naturali agli studi di posa. Con la ricostruzione di Via Veneto in studio, con la reinvenzione della realtà, la rappresentazione della realtà stessa si sposta sul piano della soggettività, quella del regista, segnando una tappa fondamentale verso il cinema felliniano successivo, in cui il punto di vista del regista, la sua soggettività, si impossesserà totalmente del reale, dell’oggettività, parlando ugualmente della realtà, del mondo, di ciò che siamo, ma attraverso una visione profondamente soggettiva, la sua, tale da ricomprendere lo stesso inconscio.

“La dolce vita” nasce dalla ripresa di una vecchia sceneggiatura, ”Moraldo in città”, sulle avventure romane del protagonista de “I vitelloni”, e segue immediatamente “Le notti di Cabiria” (1957) e di quest’ultimo sembra riprendere alcuni spunti. Ma lo sguardo di Fellini è ora lucidissimo e impietoso nella rappresentazione della società di quegli anni e, nei due film, i finali divergono e se, nel primo, c’è un barlume di speranza per la protagonista che si riapre alla vita, ne “La dolce vita”, il protagonista, Marcello, nella scena finale del film non capisce quello che gli sta dicendo una giovanissima e splendida Valeria Ciangottini (la cameriera – simbolo di innocenza e di autenticità -, incontrata in una trattoria durante il suo tentativo di scrivere) e ritorna dai suoi “amici”, ad un mondo borghese vuoto, inconsistente e inutilmente rumoroso, che si sta uccidendo e la cui rappresentazione metaforica è costituita dal pesce enorme e mostruoso, morto, dall’occhio vitreo, trascinato a riva dai pescatori.

Marcello, interpretato da un grandissimo Marcello Mastroianni, è un personaggio ambiguo e insoddisfatto: fa il giornalista (e in quel momento il giornalismo corrisponde a un chiacchiericcio rumoroso e scandalistico), ma vorrebbe scrivere, avverte l’insoddisfazione e il forte disagio della propria esistenza vuota e inconcludente, in una società altrettanto vuota e priva di valori, ma non fa nulla per uscirne (tenta di scrivere, ma senza successo)…e infatti, saluta la giovane e raggiunge la compagnia, che si sta allontanando.

Sembra assurdo cominciare a parlare di un film a partire dalla fine, ma forse non lo è, dal momento che non c’è una trama vera e propria ed è nella conclusione, in fondo, che Fellini dà il proprio giudizio morale e senza speranza sul mondo borghese di quegli anni, che non è – a ben guardare – diversissimo dal nostro.

Il film comincia con un elicottero, che trasporta la statua di un Cristo Lavoratore e sorvola Roma. Sembra quasi un compendio delle contraddizioni della società dell’epoca: l’elicottero sorvola inizialmente la campagna romana con le antiche rovine, che sembrano ricordarci la grandezza ma anche il degrado della nostra storia (e che, finte, saranno riprese nel locale “Caracalla’s”, in cui viene data la festa in onore dell’attrice americana); poi, un quartiere in costruzione e, infine, un quartiere moderno e – si presume – elegante, dal momento che delle ragazze in bikini prendono il sole sulla terrazza del palazzo, forse un attico. E’ un’Italia che cresce economicamente e sta lasciando alle spalle la vecchia società contadina e i suoi valori. Ma, in fondo, rimane un’Italia provinciale, ancora un po’ bigotta, che non ha ancora trovato il proprio baricentro. E così, la famosa attrice americana (la bellissima Anita Ekberg, diventata ormai un’icona per la scena del suo bagno nella Fontana di Trevi) viene ricevuta all’aeroporto con una grande pizza; oppure, due bambini possono fingere di vedere la Madonna e tutti accorrono a pregare e a invocare il miracolo per sé o per i propri cari, immortalati dalla televisione e dai paparazzi.

Il film fece scalpore. Infatti, se nei film precedenti Fellini aveva rappresentato poeticamente gli ultimi o comunque un’umanità marginale, ora al centro del film c’è l’alta borghesia, raccontata a tutto tondo, nella sua ricchezza, nella sua frenesia, ma anche nella sua disperazione e vacuità.

E il vuoto interiore, che si accompagna alla noia, è evidente in tutti gli episodi, in cui Fellini la racconta: nell’incontro con Maddalena, che, per noia, farà l’amore con Marcello nella casa di una prostituta; nella festa nel palazzo del principe Marescalchi, dove sfilano personaggi, che sembrano la caricatura di se stessi; nella festa finale, in una villa al mare, in cui succede di tutto, in un caos quasi autodistruttivo, in cui lo stesso Marcello, scatenato, tenta forse di annullarsi e di dimenticarsi.

Non sembra casuale che l’appartamento di Marcello non abbia mobili, sia vuoto e forse le stanze disadorne non rappresentano solo la precarietà di un rapporto sentimentale – con Emma -, per lui soffocante e che evidentemente non intende regolarizzare, ma forse rinviano anche a una precarietà e a un vuoto interiore, che rimangono irrisolti.

Il controcanto a tanta desolazione è costituito da due episodi, che toccano l’umanità e gli affetti più profondi di Marcello, ma che comunque si concludono nel rumore e nel non senso di quel mondo. Il primo racconta l’incontro con il padre, che Marcello non vede da tantissimo tempo e verso il quale si intuisce, tuttavia, un affetto sincero e un po’ malinconico. Il padre di Marcello si lascerà affascinare dalla “dolce vita”, dai suoi night club e dalle sue donnine, fino a sentirsi male e deciderà, quindi, di ripartire subito. C’è un po’ di tristezza malinconica in questo episodio, perchè non sembra esservi rappresentata solo la vacuità della “dolce vita”, il cui sapore è fatalmente ingannevole, ma si racconta anche, poeticamente, la debolezza e la fragilità umane davanti alla vecchiaia, all’evidenza del tempo che passa e ai segni che lascia.

Il secondo episodio, molto più drammatico e significativo, racconta l’incontro di Marcello con un vecchio amico, Steiner, un intellettuale lontanissimo dalla mondanità e dal suo rumore assordante. Invitato nella sua casa, Marcello si avvicina a un mondo che sente più proprio e autentico: ascolta le registrazioni di Steiner, che non hanno altra motivazione se non la loro bellezza e, in qualche modo, la poesia che evocano; ammira la bellezza del Morandi, appeso alla parete, e che Steiner adora, perché in esso ogni particolare è razionale e necessario e non potrebbe essere altrimenti; assiste incantato all’affetto dell’amico verso i suoi figli. Sembrerebbe l’alternativa al mondo di Marcello, un’ancora di salvezza…invece, Steiner si uccide e uccide anche i suoi bambini…Al poliziotto, che gli chiede se l’amico avesse un motivo per uccidersi, Marcello risponde di non saperlo, ma aggiunge: “Forse aveva paura di noi”. E, infatti, anche di fronte alla morte e alla tragedia, irrompono il rumore e il caos dei fotografi, che invadono la strada, e non arretrano nemmeno davanti alla moglie, ancora ignara, di Steiner.

Del resto, i veri protagonisti – unica presenza costante in quasi tutti gli accadimenti che coinvolgono Marcello -, sembrano essere i paparazzi, i giornalisti, i media in tutte le loro forme dell’epoca, quasi che la realtà non fosse tale se non rappresentata, quasi che una realtà non ci fosse per nulla e che, anzi, fossero i media a crearla. Un’intuizione geniale e profonda di Fellini, questa, che sarà ripresa anche in altri film successivi, in particolare “Fred e Ginger”, in cui i media hanno assunto la forma mostruosa e tragicamente invasiva delle televisioni private. L’intuizione geniale e profonda di un grandissimo artista, che riesce a leggere il mondo e ad intuirne il futuro. E, infatti, il mondo che viviamo oggi, con il suo rumore incessante, il suo chiacchiericcio infinito e fastidioso, con suoi media tanto invasivi quanto superficiali e vuoti, con i suoi social, che riescono a strappare le persone alla vita reale, impedendo loro di cogliere la vita nella sua essenza e offrendo modelli costruiti e finti, quanto inconsistenti, affonda le proprie radici nel mondo raccontato da Fellini ne “La dolce vita”.

Fellini era un genio, come lo sono i veri artisti e i veri poeti…Fellini sapeva vedere, sapeva ascoltare…

Rimane nella memoria, affascinante ed estremamente poetica, l’ultima scena de “La voce della luna”, in cui un Benigni-Pinocchio cerca di sentire la voce della luna nel fondo di un pozzo e mormora: “…se ci fosse un po’ più di silenzio, se tutti facessimo un po’ più di silenzio, forse qualcosa potremmo capire …”

Se solo ci fosse silenzio…forse potremmo ascoltare, forse potremmo ascoltarci e tornare ad essere uomini…

…e forse Marcello, nelle ultime scene del film, avrebbe capito il richiamo della giovinetta, simbolo dell’innocenza, e l’avrebbe seguita…

Anna Sambo

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